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古典主義的衛道者——安格爾(連載五)

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油畫:大宮女,畫家:安格爾

油畫:大宮女,畫家:安格爾

  在安格爾畫的所有描繪女子裸體的油畫(《浴女》、《大宮女》、《》)之中,《浴女》無疑是最好的一幅。此畫作于1808年,安格爾時年28歲。美妙的女子背影使他激動得竟至無暇過多顧及技術。半明和半暗的調子在這柔嫩的背上顫動著。色彩雖然相當原始,卻也不無悅人之處。綠色的簾子、淺黃色調的身體、白色的床單、白色帶紅的綢頭巾——全部安排在一個平面上,如在鑲嵌飾物中一樣和諧地交織在一起。如果說似乎遠過去的墻壁的灰調子要退出前景的色彩和弦,那么它畢竟還沒有破壞色彩的整個音域。但這是一種不穩定的色彩平衡,它很快就被打破了,例如,在1814年畫的《大宮女》中。這幅畫背景上很強的藍色和黃色,同人體的明暗和粉紅顏色就不諧調。形體也失掉了它相當大的一部分表現力,而變成抽象美的技巧老練的再現?!度返娜觞c也是在于現實主義的背景同扭捏作態的、抽象的裸體之間的矛盾。

油畫:朱庇特與宙斯,畫家:安格爾

油畫:朱庇特與宙斯,畫家:安格爾

  《朱庇特與宙斯》可以充作衡量安格爾構圖優缺點的一個很好的標尺。如果把宙斯這個形象取掉,這幅畫就會變成一幅細節刻畫完備無缺的平常的學院創作。嚴格的理論原則和驚人的輕巧手法在這里匯為一體;但是,這樣的結合產生不了真正的藝術。幸而畫中有宙斯這個形象。這一形象的姿態之做作是明顯的,她的色彩也很不得力,但安格爾卻在宙斯身體的“平面和圓面”的交替中表現出他的激動。海神的兩只手和整個身體都表現著溫存。在這種姿態中,她的身體已經成了聽命于美學而非服從于感官的形象象征。

  安格爾畫過兩次(一次在1840年,藏尚蒂依博物館;一次在1866年,藏蒙彼利埃博物館)的《安提克與斯特拉托尼斯》,是一個同樣性質的論爭。我們且看1866年的一幅。我覺得這一幅比較好,因為它細節比較少,構圖安排得更為端正。這樣的構圖,安格爾一向是得手的。1840年的一幅曾以“環境的歷史忠實性、表現的真實性、褶紋描畫的盡美盡善以及色調的純真”,而大受歡迎。喬治,桑曾諷刺說:“迷人,但荒謬絕倫。”在兩幅畫中,各種顏色都畫得非常細膩,但畫面的灰色中間調子使它們不能形成色彩?;谕瑯拥脑?,考古學式的細節妨礙著全局的整體感,而醫生——心理學家的手勢則仿佛來自感傷劇。所幸者,此畫有一個斯特拉托尼卡。她周身光彩煥發,在白長衫外披著淡藍色的斗篷,這是安格爾所創造的最成功的形象之一,也是一個令人不知不覺地把裝模作樣變成為美,把“荒誕無稽”變成為天真無邪的形象。

  宗教畫是安格爾最差的作品。其原因就在于他根本沒有宗教感情,他把宗教感情和拙劣的教會講演視為一物,然而他又偏要強作虔誠。著名的《荷馬神化》也是很不成功的,安格爾的同時代人就已經承認了這一點。這幅畫證明著安格爾的愚昧無知,證明著他對古代希臘詩歌的一竅不通一一他把古代希臘詩歌同學校教科書里的文法變化表弄混了。不過,他非常熟悉西斯廷教堂和在那里舉行的宗教儀式,所以他在1820年畫了《西斯廷教堂》這幅吸引人的風俗畫。在這幅畫上,他對古典美的追求是無從表現的;神甫的面孔和服裝也不可能成為理想的形的典范。而且,這里所有的人物尺寸都不大,無非是些色彩的斑塊而已。這幅畫的各種顏色調子都很暖而舒服,但它們之間缺少和諧和聯系。其原因就是安格爾只求客觀地描繪宗教儀式;這個儀式本身一點也沒有打動他。所以,整個場面畫得非常冷淡,同時又非常準確、忠實。

  總之,安格爾盡管力求成為一個“歷史畫”大師,但在構圖創作中,只是當他有可能拜倒于女人(不拘裸體還是著衣)面前時,他才創造了真正的藝術作品。

  安格爾的肖像畫之美,那是連他的敵人也承認的。別爾登的肖像無疑是最著名的一幅。每當發生財政困難,安格爾就以畫肖像擺脫窘境,而且他的鉛筆肖像畫定價一直是上漲的。毫無疑問,這些肖像畫大多都是準確無誤、技巧完善、別具一格和自有其美的作品。

  試看兩個英國女孩一一蒙特葛姐妹的肖像。實在令人羨慕;安格爾竟然把人物的個性特征同古典美的形式結合起來,把服裝的繪畫性用來為素描平添生氣,把細膩、工整的風格貫徹到底而不陷于瑣碎。一句話,手法之完善令人肅然起敬。但是,安格爾之如此熱衷于手法的完善,也表現出某種程度的稚氣,猶如一個工匠上升到了藝術家的高度,然而卻幾乎并不自覺。為了說明這一點,我想把這幅雙人肖像同《洛哲》和《土耳其浴室》的習作做一個比較。你們可以看出,安格爾的這些習作比這幅肖像更無懈可擊、更率直。為了在這些習作上達到藝術的尖端,安格爾全然不必求助于工匠般的完善?!睹商馗鸾忝谩肥且患囆g作品,但似乎由于追求這種完善而稍許僵化了。羅斯金在談到原始風格時和謝諾在談到安格爾時,都發表了反對在藝術中要求完善的意見。“不完善是命運所頒發的一部法律,沒有它的話,世界早就冷卻了……我們姑且設想一下:一切爭論都停止了,每一種形式的絕對美都最終發現了。這種卓越發現的后果又將是些什么呢?那是很容易看見的,因為那是不可避免的:藝術立刻就會停止發展。”(謝諾)

  在安格爾的肖像畫中,線條的明晰性已有若干沖淡,因為他不得不在某種程度上考慮到他所瞧不起的色彩;結果,畫家的道路變得更復雜了。

油畫: 里維耶夫人,畫家:安格爾

油畫: 里維耶夫人,畫家:安格爾

  里維耶夫人肖像甚至在色彩方面無疑也是安格爾的杰作之一。勻整的顏色如同鑲嵌一樣和諧地結合在一起,色彩顯示著形體,帶有某些起伏的暗示,但沒有求助于陰影。身體和衣服用象牙白突出出來,組成畫面的受光部分,深藍色的沙發則組成畫面的陰影部分。這兩種顏色都被納入黑色的背景。紅、黃兩色的小小變化無害于整體效果。個性和樸實的表情、明暗和單純——使這幅肖像別有一種優美滋味的就是這些。

  格朗內的肖像杜瓦塞夫人的肖像畫于1807年。安格爾剛到羅馬不久,風華正茂,創作精力充沛。安格爾繪畫的形式因素沒有個人性格的表現,而紅、黃、黑各種色調則由于對比的作用而促成了形象的生動性。后來安格爾還畫過更為復雜的肖像,但是他再也沒有創作過比這更美的肖像。

  《辯論報》的創辦人別爾登的肖像是安格爾在1832年畫的。他先畫了各種姿勢的速寫,其中之一收藏在蒙托榜博物館。這幅肖像畫從一出現就被承認是杰作,后來更大出風頭。例如,戈蒂埃曾稱贊它是“生理的肖像,道德的肖像……整個時代的發現……智慧的權力,財富,自信……在我們面前的是一個路易,菲力普時代的正直的人”。所有這些,以及還有許多其它東西,都充分完整地,或者不如說是非常完善地表現在這幅肖像上。在素描上,率直的感覺更多些,更好地抓住了這個人的日常面貌。在油畫上,則由于精心的描繪和突出了細節,結果使畫家創造了一個足以表現整整一個時代的堅強人物的形象。這個形象同別爾登本人的個性融合得如此緊密,以至現在已經很難把他們分開了。但是,這個形象畢竟是存在著,并且決定著這件作品作為歷史的一種造型表現的積極作用。別爾登本人和整個路易,菲力普時代的性格,通過這幅肖像畫而變得顯而易見了。但這種明顯性是蓄意制造的,是強加于人的。這是為了使一件藝術作品富有表現力而施加于它的一個暴力行為。顏色無礙于形體,它們是中間色,像浮雕一樣在淺色的背景上突出著深色的身體。

  別爾登肖像的意義就是:這里再也說不上什么為藝術而藝術了。它的一個浪漫主義者。”這個說法,一般也適用于雅克-路易·大衛,然而,在對待古代希臘的態度上,安格爾無疑投入了更多的感情和熱情,因此他也比雅克-路易·大衛更其是浪漫主義者。

  安格爾在向希臘人和拉斐爾討教之前,先學習了自然。他曾斷言:“希臘人就是自然”,“拉斐爾之所以為拉斐爾,就是因為他比別人更了解自然”。1827年,安格爾在美術學院曾責備卡特米爾,德,肯西“把理想美的風格說成為人們的功勞(這固然是一個方便而且相當精致的術語,但它是虛偽的、錯誤的和模棱兩可的),因為這種風格給藝術造成的危害,比潘多拉的魔盒更甚……至少,我相信,風格只能寓于自然。我斷言,風格就是自然。”安格爾的這些話,有他的作品為證。眾所周知,安格爾最好的作品是肖像畫。他本來曾想擺脫肖像畫來從事“歷史畫”的。但是,整整一生,始終有一股扭不過來的力量把他引向肖像畫。他在1845年寫道:“肖像畫在拉我,在殺我。”不難理解,他的強烈的自尊心曾苦于不得不照顧模特兒的矯情和要求。但是,正是在完成這個任務上,在這一斗爭中,他看到了自己的偉大的證明。安格爾從未有過想象力,批評家很快就懂得了這一點。早在1824年,司湯達就議論過安格爾的“物質美”和“深刻的認識與注意”。安格爾的忠實學生和崇拜者阿莫爾,杜瓦爾稱他為“理想的反對者、自然的愛好者”。波特萊爾說過,在安格爾的佳作面前,“你會恍然大悟,不是安格爾先生在建筑自然,而是自然強制了畫家”。希維斯特爾評論過他的“唯物是從”。而謝諾則對那種認為這個“本質上是現實主義者和唯物主義者的畫家,其實是一個浪漫主義者”的流行見解提出過異議。最后,波特萊爾揭示「安格爾和庫爾貝的接近。因此,安格爾不僅從他對原始風格的愛好上以及從他走向古典藝術的道路上發現了自己的浪漫主義,而且還從自己的浪漫主義前提中得出了結論?,F實主義是浪漫主義的產兒。庫爾貝現實主義被稱為第二浪漫主義。安格爾的現實主義具有完全相同的性質。沒有道理“把理想主義的名稱加諸對現實的深入細致的理解”。

  最后再加一筆,圖畫就完整了:安格爾到達自然的道路就是愛神的道路。“他對女色的嗜好是深刻而一貫的。當安格爾的天才同青春的美麗妖嬈爭艷時,他的幸運和強有力往往是空前的。肌肉、曲線、酒窩、柔韌的皮膚——所有這些,我們都可以在他的油畫上看到”(波特萊爾)。布朗什在沒有多久以前還曾經指出,安格爾是一個“對自然崇拜得五體投地的多形式充滿了內容,包括了整個時代的形象——絕不能再少!但是,安格爾的命運不佳:除了上述一些例外,他始終不是逗留于藝術之外,就是高踞于藝術之上。他的作品可以成為空洞的象征,也可以成為世界的象征,但從來不是畫家幻想的自由表現。

  最后,奧松維爾夫人的肖像是安格爾晚期趣味的優秀范例之一。這時他已成為一個一切優美和精致事物的愛好者。整個說來,這幅肖像有些賣弄效果,他畫得的確很了不起,所以批評界也只好啞口無言了。

  安格爾值得稱贊的肖像有很多;但以上所說過的一些已足可說明安格爾優秀作品的優點和短處。

  我們如同嘆賞一個奇跡似的嘆賞安格爾,可是我們卻不能像人們愛一位天才詩人或畫家那樣地愛他。我們欽佩他的“超人”的努力,但我們聽不到他說出一句“人”的話。安格爾的藝術是有意襲承古典形式的一個典型事例,他給這一形式注入了浪漫主義傾向性的內容,而且形式和內容從來沒有完全吻合過。到底為什么沒有融合,沒有結合:是由于安格爾美學原則的錯誤,還是由于他那反復無常的性格?——難說。

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